Estrenos de cine | Las 15 mejores películas de 2022

2022 será recordado a nivel cinematográfico por la notoriedad alcanzada por las producciones españolas, que consiguieron colarse en los festivales más importantes del mundo (‘Alcarràs’ ganó el Oso de Oro de la Berlinale, Albert Serra compitió por la Palma de Oro en Cannes y Jonás Trueba fue premiado en el de Karlovy Vary) y respondieron en taquilla (con títulos variados como ‘As Bestas’, ‘Cinco Lobitos’ o ‘Los renglones torcidos de Dios’). De Hollywood llegaron dos secuelas míticas, la de ‘Top Gun’ y la ‘Avatar’. Y directores como Baz Luhrmann o David Cronenberg volvieron a ponerse tras las cámaras. La actriz Ana de Armas sorprendió por su interpretación de Marilyn Monroe en ‘Blonde’, que fue recibida sin demasiado entusiasmo. Los redactores de PANTALLAS han elegido las que, a su juicio, han sido las mejores películas de este año que termina. Estos son los 15 títulos más votados:

Protagonistas de ‘Decision to leave’. /

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ROSA PALO

Con su ya habitual dominio de la puesta en escena y de los planos imposibles, Park Chan-wook compone un puzzle magnífico que comienza con la aparición de un cadáver en la montaña para acabar convirtiéndose en un melodrama romántico envuelto por la bruma del mar. De esta forma, ‘Decision to leave’ mezcla la precisión del cine policíaco con la pasión desbordada del amor ‘fou’, y lo hace con extraordinaria elegancia y un gran manejo tanto de los momentos de acción y de tensión como de intimidad entre los protagonistas, dando lugar a una película llena de escenas de gran belleza y delicadeza en la que los silencios y los suspiros son tan elocuentes, o más, que las palabras. Presentada en festivales como el Festival de Cine Inédito de Mérida, el Festival Internacional de Cine de Cartagena o la Seminci, llegará a las salas el próximo mes de enero.

Protagonistas de ‘Delante de ti’. /

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ANDREA MORÁN

En la última década, Hong Sang-soo está estrenando dos películas por año. A este ritmo, la amenaza de la repetición y del agotamiento era inevitable, pero con ‘Delante de ti’ (del 2021 realmente) las dudas se han disipado. El cuento ya no puede ser más perfecto. Sin reiventarse a sí mismo pero desprendiéndose de sus características divagaciones circulares, el cineasta coreano se olvida de los rodeos y apuesta por la línea recta: una mujer que vuelve a casa, un secreto entre líneas y una lucidez arrebatadora y embriagada para hablar de lo que está frente a nuestros ojos pero no solemos ver. Esto era.

Protagonistas de ‘París Distrito 13’. /

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OSKAR BELATEGUI

A los 50 años, nada sabemos de la vida amorosa de los millennials. Para eso está el gran Jacques Audiard, que ambienta en el barrio parisino de Olympiades, poblado por rascacielos y con una gran mezcla cultural, las idas y venidas sentimentales de dos chicas y un chico que usan Tinder pero, en el fondo, acarrean los mismos traumas que sus padres: quieren que les quieran y sienten pánico al compromiso. Las maneras de narrador del autor de ‘Un profeta’ siguen intactas: como en el mejor Scorsese, no hay tiempos muertos, no podemos apartar la vista de la pantalla. Y cuando pensamos que la tecnología ha devorado al romanticismo, zas, el ‘amor fou’ cierra de sopetón este cuento moral en blanco y negro con personajes condenados a la precariedad, que solo pueden soñar con ser burgueses.

Catherine Clinch, en ‘The Quiet Girl’. /

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ROSA PALO

Una historia llena de silencios que narra el encuentro entre una niña desprotegida, ávida de ternura y afecto, y un matrimonio que no tiene a nadie sobre el que depositar un cariño que se ha quedado sin destinatario. Contada con una cadencia morosa, hablada en su mayor parte en gaélico y con una delicada fotografía del paisaje irlandés, ‘The quiet girl’ es una película sosegada, sutil y bellísima sobre la dificultad para expresar los sentimientos y la necesidad que todos tenemos de amar y ser amados. No ha sido estrenada todavía en salas. Se ha visto, entre otros, en el Festival de cine de Sevilla, en el Festival Internacional de Cine de Cartagena y en la Seminci.

Imagen de ‘Belfast’. /

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BOQUERINI

Un retrato de un tiempo y un lugar, una historia iniciática y un retrato familiar. Kenneth Branagh buceó en sus propios recuerdos en el Belfast de 1969 para plasmarlos en una película emotiva y conmovedora, luminosa y y terrible a un tiempo, rodada en un melancólico blanco y negro. Enfrentamientos entre católicos y protestantes, crisis económica, lucha por los derechos civiles… todo visto por un niño de 9 años que combina sus juegos infantiles y su pasión por el cine, con la cruda realidad de las calles. El horror cotidiano.

Las actrices más jóvenes de ‘La maternal’. /

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IKER CORTÉS

No fue la suerte de la principiante. Con ‘La maternal’, Pilar Palomero, ganadora de ocho goyas, entre ellos el de mejor película y mejor dirección novel, por ‘Las niñas’, ha confirmado que su genio no fue mera casualidad. Lo ha hecho con una historia dura y emocionante que sigue los pasos de Carla, una menor que se queda embarazada y es enviada a un hogar de acogida donde hay otras chicas en su misma situación. Cuando dé a luz deberá enfrentarse a un nuevo mundo lleno de retos. La clave, una vez más, está en el excelente casting de la propuesta. La sinceridad y la verdad con la que Carla Quílez aborda un papel complejísimo traspasa la pantalla, acongoja y desarma. Sus compañeras de reparto Estel, Claudia, Jamila y Sheila ni siquiera eran actrices y fueron seleccionadas porque habían vivido las mismas situaciones; la secuencia en la que desvelan su historia real es demoledora.

Imagen de ‘Crímenes del futuro’. /

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BORJA CRESPO

Quizá no es la mejor película del año, pero sí la más desconcertante y autoral, virtudes a reivindicar en un año timorato. La última apuesta de Cronenberg es un milagro, tal y como funciona hoy en día el cine comercial, razón de más para aplaudir sus logros y sus imperfecciones. En las antípodas del concepto de blockbuster, es un gozo para cualquier cinéfago que se precie. El filme apela a la inteligencia emocional y a la cultura como arma frente a nuestra fracaso como especie. La decadencia humana es la mayor inspiración del cineasta canadiense.

Una imagen de ‘Armageddon Time’. /

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OSKAR BELATEGUI

Truffaut desveló en ‘Los 400 golpes’ sus traumas de manera transparente, su propia experiencia de niño abandonado y solitario, hijo no querido de madre soltera y rebelde en las aulas. Sólo era feliz en los cines de barrio de un París gris retratado por primera vez con una cámara al hombro, sin iluminación ni artificios. James Gray también desnuda sus años escolares en ‘Armageddon Time’, donde el cariño procede de un abuelo inmigrante y judío, que pudo hacer realidad el sueño americano. Todo eso ocurrió antes de que el poder recayera en gente como Ronald Reagan y Donald Trump, cuyo padre es un personaje más en esta sombría y siniestra crónica de aprendizaje vital bajo la que se cierne la sombra del neoliberalismo que hoy nos ahoga.

Nacho Sánchez en ‘Manticora’. /

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ROSA PALO

Carlos Vermut, más incómodo y perturbador que nunca, nos habla de los monstruos que llevamos dentro y de la lucha por tenerlos bajo control. Y este tema, extraordinariamente duro y complejo, es abordado por el director de forma inteligentísima al construir una historia minimalista, sobria, desprovista de cualquier artificio pero, a la vez, densa, inquietante y magnética, tanto como la mirada de Nacho Sánchez. Nunca preparar un Cola Cao fue tan amenazador.

Luis Zahera y Diego Anido, protagonistas de ‘As Bestas’. /

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OSKAR BELATEGUI

Galicia caníbal. Todo hace prever que Rodrigo Sorogoyen triunfará en los Goya con un impecable ejercicio de tensión, que deriva en compleja y actual fábula sobre la xenofobia y el ecologismo. ‘As bestas’ parece en sus primeros compases un ‘Perros de paja’ a la gallega, pero su inteligente guion logra que, resuelta la intriga, cambie el punto de vista del relato y lo que parece un asunto de machos ceda el protagonismo a las mujeres, las que siempre resuelven las cosas. Del escalofriante Luis Zahera, villano con razones para serlo, hablaremos otro día.

Ricardo Darín y Peter Lanzani. /

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MIKEL LABASTIDA

Soberbio ejercicio de memoria histórica el de esta película en la que Ricardo Darín interpreta al fiscal Julio César Strassera al frente del proceso en el que se condenó a los principales responsables de la dictadura militar argentina. Con buen pulso y sin perder la emoción Santiago Mitre pone en valor la hazaña, sin precedentes en el mundo, lograda por este equipo jurídico, y hace justicia a todos los ajusticiados y desaparecidos de la época. Aspira a representar a su país en los Oscar.

Protagonistas de ‘Alcarràs’. /

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BOQUERINI

Contra todo pronóstico, el gran y justo éxito del cine español de este 2022, que nos da esperanzas de que no todo está perdido. Una película mágica en permanente estado de gracia, una historia sobre la pertenencia a una tierra, a un lugar, pero también un drama sobre las perpetuas tensiones generacionales, la superación de antiguas tradiciones y la importancia de la unidad familiar en tiempos de crisis. Segundo largometraje de Carla Simón que confirma que estamos ante una creadora, en toda la extensión de la palabra.

Cooper Hoffman y Alana Haim en ‘Licorice Pizza’. /

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IKER CORTÉS

Lo último de Paul Thomas Anderson es una de esas películas, sencillas y evocadoras, que le dejan a uno con la sonrisa en la boca. Protagonizada por Cooper Hoffman, hijo de Philip Seymour, y Alana Haim, de la banda Haim -sus hermanas también tienen un papelito-, la cinta plantea la historia de dos jóvenes que se enamoran en el Valle de San Fernando en 1973. Él es menor de edad y una estrella de la interpretación, ella pertenece a una familia muy conservadora. Los dos se conocen en una sesión de fotos organizada en el instituto y a partir de ese instante surge una relación de amistad que va evolucionando. Entretenida, profunda y luminosa, la película navega por temas como el amor o la búsqueda de la identidad al ritmo de una banda sonora espectacular.

Susi Sánchez y Laia Costa en ‘Cinco lobitos’. /

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MIKEL LABASTIDA

El debut cinematográfico de Alauda Ruiz de Azúa mira y disecciona la familia desde diferentes puntos de vista y es imposible que alguno de ellos (si no todos) no te encoja el corazón: el de la pareja sobrepasada por la llegada de su primer retoño, el de la hija que ha de hacer frente al envejecimiento de sus padres, el de la esposa que ve la vida pasar en un matrimonio que no le ha hecho feliz… Laia Costa, Susi Sánchez, Ramón Barea y Mikel Bustamante hacen un trabajo extraordinario. Mucho más por lo que callan que por lo que cuentan.

Protagonistas de ‘Drive my car’. /

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ANDREA MORÁN

Pasarán los años y seguiremos reconociendo esta imagen: un viejo coche, un Saab rojo, con dos pasajeros en silencio. El japonés Ryūsuke Hamaguchi se llevó el Óscar a la Mejor Película Internacional por esta historia sobre la pérdida y la incomunicación en la que se cruzan idiomas y fantasmas. Personajes heridos, incapaces de verbalizar su duelo, que consiguen liberar su dolor a través de palabras ajenas: las de ‘Tío Vania’, de Chéjov (la obra montada por el protagonista) y las de Haruki Murakami (autor de los relatos cortos en los que se inspira la película). Que en la lista de lo mejor del año se alce una cinta pausada de tres horas también es una forma de defender que algunas emociones -en la vida y en el cine- necesitan su tiempo.